Wunderkammern

Trouvailles pour esprits curieux

Month: janvier 2015

La scène encensée. Musique de chambre avec orgue et motets de Théodore Dubois par Diego Innocenzi

Henry Lerolle La répétition à la tribune d'orgue

Henry Lerolle (Paris, 1848-1929),
La répétition à la tribune d’orgue, 1885
Huile sur toile, 236,9 x 362,6 cm, New York, Metropolitan Museum of Art

Parmi tous les compositeurs que le travail de redécouverte voire de réhabilitation entrepris avec courage et intelligence sur le répertoire romantique français par le Palazzetto Bru Zane a permis de remettre en lumière, Théodore Dubois est probablement celui qui aura suscité le plus de réserves, voire de sarcasmes, assez semblables à ceux qui s’attachaient déjà à lui de son vivant, comme si sa réputation d’académisme avait formé autour de sa personne une sorte de gangue dont il lui serait aujourd’hui presque impossible de s’extirper. Le disque que lui consacrent aujourd’hui les dix musiciens réunis autour de Diego Innocenzi à l’orgue Cavaillé-Coll de l’église parisienne Saint-Jacques du Haut-Pas ne fera, j’en ai peur, guère bouger les lignes entre ceux qui estiment que Dubois est injustement tombé dans l’oubli et ceux qui considèrent que cette vieille barbe pontifiante, volontiers persifleuse envers ceux qui, à son époque, représentaient le progrès, n’a que ce qu’elle mérite et que l’on est déjà assez miséricordieux en rappelant son souvenir.

Cette publication discographique, comme d’autres récentes – on songe, par exemple, à la résurrection de la Messe Solennelle de Pâques (1896) de Martial Caillebotte il y a deux ans –, pose la question du regard que nous pouvons porter aujourd’hui sur la musique sacrée telle qu’on l’entendait en France au XIXe siècle et au cours des premières décennies du suivant, prise dans un étau dont l’un des bords serait une fadeur sulpicienne doucereuse et l’autre de coquets caquets opératiques — on espère qu’un jour une étude de fond sera publiée sur ce sujet, dans le sillage du colloque qui lui a été consacré en mars 2014 à l’EHESS, sous l’égide, là encore, du Palazzetto Bru Zane.

Théodore Dubois 1896Organiste émérite qui succéda à Saint-Saëns à la tribune de la Madeleine de 1877 à 1896, Théodore Dubois a composé pour l’Église sa vie durant et, alors qu’en bon lauréat du prix de Rome, il poursuivit longtemps la chimère de réussir à l’opéra, ce sont les paroisses qui lui offrirent ses premiers postes d’importance et ses premiers succès, en particulier celle de Sainte-Clotilde dont il devint, à son retour de la Villa Médicis, le maître de chapelle (1863), prenant la suite de César Franck qui y avait, lui, brigué et obtenu le poste d’organiste. Il y fit exécuter son oratorio Les Sept Paroles du Christ en avril 1867 et le grand succès qu’il obtint joua sans nul doute en faveur de son obtention du poste de maître de chapelle de la très prestigieuse église de la Madeleine dès l’année suivante. Si l’on en croit ses souvenirs, Dubois choisit très tôt le camp de ceux qui prônaient, en revendiquant l’héritage de Palestrina, une musique sacrée pure, c’est-à-dire débarrassée, autant que faire se peut, de tout relent profane. Lorsqu’il se remémore ses années à Rome à l’occasion de la rédaction, à partir de 1909, des Souvenirs de ma vie (édités par Symétrie et le Palazzetto Bru Zane en 2009), il a ce cri du cœur en évoquant l’état de la musique religieuse dans la Ville éternelle, « On se serait cru au théâtre ! » (op. cit. p. 59), avant de faire part, quelques pages plus loin, de sa déception devant « l’exécution incolore, sèche, hachée, sans onction » entendue à la Chapelle Sixtine lors de la Semaine sainte, puis de sa propre conception en la matière : « Je rêve une sonorité pleine, grasse, fondue, nuancée, sans solution de continuité, comme ferait un orgue, et pourtant expressive et accentuée sans sécheresse. (…) Il y faut un personnel nombreux, une conscience artistique admirable de la part de tous les exécutants, et une direction supérieure, dirai-je qu’un peu de foi n’y serait pas inutile » (op. cit. p. 62, les mots sont soulignés par l’auteur). Théodore Dubois Collection de 34 motets pour la MadeleineMalgré ses déclarations d’intention, Dubois, pas plus que ses contemporains, y compris celui qui se nommait lui-même l’Abbé Gounod, ne parvint à faire abstraction de l’art lyrique qui imprégnait totalement la société de son temps et si certains des motets proposés dans ce programme correspondent bien à sa double exigence d’onction et de simplicité (les trois pièces de 1922, Verbum supernum, Memorare et Tantum ergo, recueillies et sensibles, en apportent une parfaite illustration), d’autres montrent à quel point l’envie de la scène affleure sous la bure, un trait ici, une roulade là, un bel ornement ailleurs encore, les dialogues entre les voix ou entre ces dernières et les instruments, tout trahit un imaginaire profondément taraudé par l’opéra ; écoutez comme cet Ave Maria prend de petits airs de cavatine, comme ce Panis angelicus plein d’amoureuse ardeur réserve au ténor la progression dramatique nécessaire pour faire briller sa tessiture, comme le Sub tuum præsidium en trio sait s’orner de guirlandes galantes tout en esquissant parfois un pas de danse. Les œuvres instrumentales avec orgue n’échappent évidemment pas, en dépit de la présence du solennel instrument, à cette ambivalence et pourraient tout aussi bien prendre place au concert qu’à la tribune.

Le disque que proposent Diego Innocenzi et ses amis propose une parfaite synthèse de tous ces éléments a priori contradictoires. C’est incontestablement une très belle réussite et il faut d’emblée saluer l’attention qui a présidé à une réalisation où tout semble avoir été méticuleusement réfléchi, du choix heureux du Cavaillé-Coll de 1865 à celui de la prononciation du latin tantôt à la gallicane ou à la romaine en fonction de la chronologie des œuvres (avant ou après le Motu proprio de 1903 qui imposa en France le latin à la manière italienne), en passant par le soin apporté par Christoph Martin Frommen à la prise de son, précise tout en conservant une atmosphère crédible d’église ; certains objecteront même que l’on s’est montré trop généreux avec la production sacrée de Dubois qui ne mérite pas que l’on mette ainsi les petites patènes dans les grandes, et l’on se prend effectivement à frémir en imaginant comment elle pourrait sonner servie Diego Innocenzipar des musiciens moins experts quand ceux que l’on entend ici ne parviennent pas à sauver complètement deux ou trois pièces d’une certaine banalité. Les chanteurs et les instrumentistes méritent des éloges appuyés tant pour leur maîtrise technique et stylistique que pour leur engagement. Les voix sont assurées, bien timbrées, avec une netteté d’émission et une fermeté d’articulation sans sécheresse qui auraient probablement séduit Dubois et savent émouvoir l’auditeur d’aujourd’hui ; les trois solistes parviennent, en outre, à trouver un bel équilibre entre fluidité, recueillement et théâtralité mesurée, faisant parfaitement percevoir comment ces forces se combinent pour faire de ces musiques autre chose que les bondieuseries fadasses et sucrées auxquelles on les réduit trop souvent. Les mêmes qualités de clarté chaleureuse se retrouvent du côté des instruments, tous « d’époque », joués avec brio et sans militantisme outrancier, avec un souci constant de la sensualité sonore et de la couleur qui fait mouche à chacune de leurs interventions. Cette assemblée émérite est dirigée avec beaucoup d’intelligence par Diego Innocenzi, dont la finesse et la solidité du jeu apportent aux œuvres élan et assise. L’organiste sait ne pas se contenter d’une approche archéologique ; en faisant revivre ce répertoire délaissé et méprisé, il souligne non seulement son importance historique mais aussi ses qualités musicales où un métier très sûr est mis au service d’une ferveur à la fois humble et raffinée qui est loin de manquer d’attraits.

Je conseille donc ce disque à tous les mélomanes qui souhaiteraient élargir leurs connaissances en découvrant des horizons peu fréquentés et, en saluant le travail courageux d’Aeolus et du Palazzetto Bru Zane, j’espère que ces derniers nous permettront de retrouver à nouveau les musiciens de grande qualité qui ont œuvré à la réussite de cette anthologie consacrée à Théodore Dubois.

Théodore Dubois Musique de chambre avec orgue & motets Innocenzi AeolusThéodore Dubois (1837-1924), Musique de chambre avec orgue, motets

Katia Valletaz, soprano
Emiliano Gonzalez Toro, ténor
Benoît Arnould, baryton
Baptiste Lopez, violon
Caroline Donin, alto
Pauline Buet, violoncelle
Mathieu Serrano, contrebasse
Olivier Rousset, hautbois
Matthieu Siegrist, cor
Clara Izambert, harpe

Diego Innocenzi, orgue Cavaillé-Coll 1865 de l’église Saint-Jacques du Haut-Pas, Paris

1 SACD [durée totale : 72’12] Aeolus AE-10083. Ce disque peut être acheté chez votre disquaire ou en suivant ce lien.

Extraits proposés :

1. Méditation-Prière op. 17 (1869)

2. Sub tuum præsidium (1873)

3. Méditation (1900)

4. Verbum supernum (1922)

Illustrations complémentaires :

Anonyme, Portrait de Théodore Dubois, 1896. Photographie, 46 x 34 cm, Paris, Bibliothèque nationale de France

Frontispice de la Collection de 34 motets de Théodore Dubois, 1876. Paris, Bibliothèque nationale de France

La photographie de Diego Innocenzi, prise durant les sessions d’enregistrement du disque Dubois, est de Christophe Renaud.

Cinquante fulgurances de Scarlatti. Sonates pour clavecin par Pierre Hantaï

Luis Egidio Melendez Nature morte aux citrons et au pot de miel

Luis Egidio Meléndez (Naples, 1716-Madrid, 1780),
Nature morte aux citrons et au pot de miel,
troisième quart du XVIIIe siècle (avant 1771)
Huile sur toile, 35 x 48 cm, Madrid, Museo nacional del Prado

Nous vivons une époque pleine de paradoxes. À la fin du mois de janvier se déroulera la vingt-et-unième édition de la désormais incontournable Folle journée de Nantes, grand messe très médiatisée qui, si certains points de sa politique peuvent sembler discutables, a au moins le mérite d’abolir en grande partie les barrières entre un public non ou peu initié et la musique dite « classique. » Intitulé « Passions de l’âme et du cœur », le cru 2015 s’est donné pour fil conducteur les compositeurs de la « génération 1685 », Bach père, Händel et Scarlatti fils, et offre, en parallèle des concerts, un certain nombre d’enregistrements publiés par le label du fondateur de la Folle journée, Mirare.

En regardant ces derniers, j’avoue avoir été très surpris de découvrir, outre deux Bach au piano annoncés respectivement les 27 janvier et 10 mars, que le disque officiel de cette manifestation serait un récital de sonates de Domenico Scarlatti là aussi confié à une pianiste, Anne Queffélec, et d’ores et déjà adoubé par une partie de la presse officielle. Je finis réellement par me demander quel est l’objectif poursuivi par l’éditeur en privilégiant de façon aussi écrasante des interprétations de musique baroque sur un instrument pour laquelle elle n’a pas été conçue et si un certain opportunisme commercial ne lui fait pas perdre de vue que lui incombe également une mission pédagogique, notamment auprès de la frange la moins informée du public, celle qui va acheter ces disques en étant persuadée, de toute bonne foi, que l’on composait pour le piano au XVIIIe siècle, ce qui n’est évidemment pas le cas. A-t-on peur que le clavecin la rebute ? Il est certain que si l’on n’éduque pas son oreille, elle ne risque pas d’apprécier un jour cet instrument qui est pourtant, lorsqu’il est touché avec talent, le mieux à même de rendre compte de la pensée des compositeurs qui ont écrit pour lui, de leur univers mental, de la singularité de leur langage. Pour ce qui regarde Scarlatti, cette démarche est d’autant plus incompréhensible que Mirare vient tout juste de rééditer, en coffret à prix doux, un des fleurons de son catalogue, les trois disques consacrés à ce musicien par Pierre Hantaï.

Il n’est guère surprenant qu’un compagnonnage se soit noué de longue date entre ces deux esprits ombrageux, puisque, sauf erreur de ma part, le premier récital soliste du claveciniste, enregistré pour Astrée en juin 1992 (E 8502), était justement consacré au Maître de musique de Maria Barbara, son élève devenue reine d’Espagne en 1729. Dix ans plus tard, Pierre Hantaï remettait l’ouvrage sur le métier en gravant, à chaque reprise à Haarlem, un premier volume de dix-huit sonates, puis un deuxième de seize en 2004 et enfin un troisième de seize également en 2005, formant un parcours revendiqué à la fois comme un choix subjectif et d’excellence, loin de toute tentation d’intégrale, « cadeau empoisonné que l’on fait aux compositeurs en rendant l’écoute de leur musique fastidieuse voire impossible » d’après les propres déclarations de l’interprète reproduits dans le livret des tomes 2 et 3.

Domingo Antonio de Velasco Domenico ScarlattiLe premier récital, dont l’audace avait dérouté – décoiffé, serait sans doute plus juste – une partie de la critique officielle (je me souviens encore du petit air outré-pincé de l’inénarrable Coralie Welcomme qui sévissait alors à Répertoire), jetait d’emblée les bases qui allaient devenir les constantes de toute l’entreprise et gagner en profondeur à mesure de son avancée. On demeure toujours, plus de dix ans après la parution de ce triptyque, étonné par la prise de risques permanente qu’autorisent tant des moyens digitaux qu’intellectuels et musicaux de première force, enthousiasmé par l’engagement sans faille et pas seulement dans les moments de virtuosité ébouriffée, car il y a, chez Pierre Hantaï, une façon de faire saillir l’expressivité des sonates plus nostalgiques et de donner une vraie densité aux silences proprement stupéfiante, durablement séduit par ce Scarlatti fantasque qui claque et qui chante, qui écume et explose avant d’aller, l’instant d’après, sangloter à l’écart, par ces rythmes irrésistibles qui jaillissent du clavier, par ce festival de couleurs enivrantes, par ces dissonances qui, sans crier gare, vous sautent à la gorge, vous font tanguer avec elles avant de vous abandonner, pantelant et ravi. Le Scarlatti de Pierre Hantaï sort tout brûlant de la forge d’un solitaire d’une perméabilité extrême au monde qui l’entoure, patente dans les influences des danses andalouses et les souvenirs de guitare qui arrivent par larges bouffées, d’un musicien qui prend appui sur son isolement et le cercle très restreint de connaisseurs auquel il s’adresse pour oser sans entraves tout ce que son imagination lui inspire. Il n’y a rien de convenu dans cette vision de ces cinquante sonates qui reprend les choses là où Gustav Leonhardt, pour le souci de la forme et la netteté du discours, et Scott Ross, pour la prise à bras-le-corps de la musique et le panache, les avaient laissées en offrant à leur legs un prolongement foisonnant qui ouvre de nouvelles voies grâce à un singulier mélange de liberté et d’autorité qu’aucun autre enregistrement n’a su porter depuis à ce degré d’incandescence. Cette lecture, contrairement à celle d’Anne Queffélec, certes très propre et maîtrisée, avec quelques beaux moments d’inspiration romantique, aussi jolis en eux-mêmes que foncièrement hors de propos, est donc tout sauf inoffensive et jamais vous ne pourrez l’utiliser comme fond sonore pendant que vous adonnez à quelque autre occupation. Avec l’aide de prises de son ciselées, tout y accroche l’oreille pour ne plus la lâcher, le caractère à la fois plein et légèrement astringent du clavecin rendant parfaitement compte de toutes les facettes des œuvres, loin du côté aimable, poli – dans tous les sens de cet adjectif – du piano, qui en émousse les contours et en lisse les aspérités — une sonate comme celle en la mineur K. 175, avec ses rafales de dissonances, n’y sonnera, par exemple, jamais avec la même furie qu’au clavecin.

Pour dix euros de plus que le disque officiel de la Folle journée 2015 qui, je vous rassure, se vendra sans doute très bien malgré tout, je ne saurais trop recommander à ceux d’entre vous qui ne les connaissent ou ne les possèdent pas déjà de faire l’acquisition de ces trois disques de Pierre Hantaï ; son Scarlatti d’exception n’a certainement pas fini ni de vous instruire, ni de vous bouleverser.

Domenico Scarlatti 50 sonates pour clavecin Pierre HantaïDomenico Scarlatti (1685-1757), Sonates pour clavecin

Pierre Hantaï, clavecin Jürgen Ammer, 1999, d’après un anonyme construit en Thuringe en 1720 (volume 1), clavecin de type italien Philippe Humeau, Barbaste, 2002 (volumes 2 & 3)

Wunder de Wunderkammern

3 CD [68’10, 76’14 & 65’16] Mirare réunis sous coffret sous référence MIR 273. Wunder de Wunderkammern. Ce coffret peut être acheté chez votre disquaire ou en suivant ce lien.

Extraits proposés :

1. Sonate en ré majeur K. 299 : Allegro

2. Sonate en mi mineur K. 263 : Andante

3. Sonate en la mineur K. 175 : Allegro

4. Sonate en fa mineur K. 466 : Andante

5. Sonate en mi majeur K. 531 : Allegro

Illustration complémentaire :

Domingo Antonio de Velasco (?- ?), Portrait de Domenico Scarlatti, c.1738. Huile sur toile, dimensions non précisées, Alpiarça, Casa dos Patudos

Mozart était Silène. Œuvres pour piano à quatre mains par Aline Zylberajch et Martin Gester

Noël Hallé Eglé et Silène

Noël Hallé (Paris, 1711-1781),
Silène et Églé ou Églé barbouillant Silène de mûres
pour le forcer à chanter l’histoire du monde, 1771
Huile sur toile, 320 x 385 cm, Lille, Palais des Beaux-Arts

Alors que sont parfois englouties d’importantes sommes d’argent afin de promouvoir des réalisations médiocres ou stupidement commerciales, certaines autres nettement plus intéressantes semblent jouer de malchance. Ainsi en va-t-il du disque dont il sera question aujourd’hui qui réunit Aline Zylberajch et Martin Gester autour de pièces pour piano à quatre mains de Mozart, paru discrètement à un moment de grandes difficultés pour son éditeur, K617, affublé, de surcroît, d’une pochette suffisamment laide pour jouer un rôle de repoussoir.

Mozart a commencé très tôt à composer pour piano à quatre mains, puisque la première œuvre que l’on conserve de lui pour cette configuration alors encore assez peu répandue date de son séjour londonien de l’été 1765 ; cette Sonate en ré majeur (KV 19d) que Leopold tenait, rapporte-t-on, pour la première écrite dans ce genre, était sans doute destinée à Wolfgang et à sœur Maria Anna, dite Nannerl, et certains chercheurs ont même conjecturé que c’est elle qui est en train d’être jouée dans le fameux tableau de Johann Nepomuk della Croce, aujourd’hui au Mozarteum de Salzbourg, représentant la famille Mozart où les mains du frère et de la sœur se croisent sur le clavier. Si l’on conserve deux sonates écrites à Salzbourg en 1772 (KV 381/123a) et 1773-74 (KV 358/186c) dont on sait qu’elles furent interprétées par le duo à Paris et à Vienne, le programme de ce disque s’attache aux ultimes contributions mozartiennes dans ce domaine, composées durant ses années d’activité à Vienne.

La Sonate en fa majeur KV 497 inscrite par Wolfgang dans son catalogue personnel à la date du 1er août 1786 affiche d’emblée ses ambitions avec ses vastes dimensions (l’œuvre approche de la demi-heure) et son premier mouvement avec introduction lente qui la rattache formellement au genre symphonique. De fait, c’est tout un orchestre qui semble parfois se faire entendre dans le brillant Allegro di molto, d’une maestria d’écriture assez confondante, dont l’opulence sonore fait saillir avec plus de force encore la dimension chambriste du magnifique Andante central en si bémol majeur qui le suit et dont le chant semble si souvent relever de la confidence, avant que l’Allegro final vienne conclure avec une bonne humeur certaine, parfois même dansante, mais à laquelle semble néanmoins s’attacher un peu du clair-obscur qui a précédé comme les lambeaux d’un rêve qui peinerait à se dissiper totalement. Johann Nepomuk della Croce La famille Mozart détailL’Andante et variations en sol majeur KV 501, composé trois mois plus tard sur un thème a priori original, ne vise pas aussi haut. Il s’agit avant tout d’une pièce pensée pour l’agrément qui vise à mettre tour à tour en valeur les capacités de chacun des deux protagonistes en une succession d’épisodes plein de charmes dont le caractère détendu n’est temporairement assombri que par une variation en mineur, jouée ici de façon très judicieuse avec sourdine. Dédiée, comme le Trio « Kegelstatt » (« des Quilles », KV 498, 5 août 1786), à Franziska von Jacquin, membre d’une famille au sein de laquelle Mozart aimait à trouver détente et réconfort, la Sonate en ut majeur KV 521, datée du 29 mai 1787, regarde sans ambages du côté de l’opéra qui était alors à nouveau au cœur des préoccupations du compositeur, si tant est qu’il en ait eu une autre, à la suite de la commande, au début de février, d’un Don Giovanni pour Prague, ce qu’attestent également de manière incontestable les Lieder composés à la même époque. De l’élan de l’Allegro liminaire qui débute d’une manière on ne peut plus théâtrale et dont le déroulement est parsemé d’épisodes à la vivacité presque bouffe à l’Andante en fa majeur, tendre comme une scène entre amoureux, puis au malicieux Allegretto final qui semble hésiter sans cesse entre douceur et ironie – on se demande sans cesse quel dénouement peut bien se tramer en coulisses tandis que l’on nous charme sur l’avant-scène –, chaque mouvement fait à la caractérisation des atmosphères une part si belle que le talent du dramaturge parvient, sans le secours d’un texte, à nous faire entrapercevoir des personnages par le seul pouvoir d’évocation de la musique. Disons un mot, pour finir, du Rondo en la mineur KV 511 (Vienne, 11 mars 1787) choisi en complément de programme. Partageant une communauté d’esprit évidente avec le mouvement central des deux sonates, cette pièce pour piano seul approfondit encore le sentiment du pathétique qui, destination publique oblige, passait sans trop s’attarder dans celles-ci ; ici, le musicien à son clavier est face à lui-même et nous entraîne à sa suite sur des terres d’intimité où il n’a nul besoin de masquer son désarroi sous une grimace mondaine ou de retenir ses larmes. Elles sont nombreuses et pudiques dans cette cantilène ponctuée de sanglots qui semble couler naturellement alors que son écriture ne laisse rien au hasard, et que viennent éclairer quelques pâles rayons de soleil, comme d’infimes éclats de confiance pour faire barrage au désespoir.

Comme la majorité des œuvres de Mozart, ces pages pour piano à quatre mains ont retenu l’attention de nombreux interprètes, y compris ceux jouant sur instrument ancien — je les ai découvertes, pour ma part, grâce à un enregistrement paru chez Decca il y a une vingtaine d’années qui réunissait George Malcolm et András Schiff jouant le pianoforte de Mozart. La lecture qu’en proposent aujourd’hui Aline Zylberajch et Martin Gester, outre qu’elle montre les progrès accomplis depuis dans la pratique des claviers anciens, se distingue par nombre de qualités qui font qu’après les premières écoutes, on y revient souvent et volontiers. Il y a, tout d’abord, la rectitude stylistique dont, en familiers de ce répertoire, les deux musiciens font preuve, inscrivant les œuvres dans l’esthétique classique qui est la leur, sans maniérismes baroques ni pathos romantique qui auraient été également déplacés, tout en faisant néanmoins percevoir la tradition dans laquelle elles s’inscrivent et le futur qu’elles contribuent à dessiner. Dans la même logique, le duo a fait ensuite des choix clairs d’interprétation, prenant ses distances, sans perdre ni en propreté technique, ni en dynamisme, Aline Zylberajch et Martin Gester Juillet 2014avec la tentation d’une virtuosité impressionnante mais un peu superficielle pour privilégier la clarté de la ligne – les Allegro demeurent ainsi toujours parfaitement lisibles, y compris dans leurs passages les plus foisonnants –, le raffinement des atmosphères comme du toucher – et qu’il est agréable d’entendre un pianoforte qui, sans rien concéder de son mordant, oublie de « cogner » –, les évocations du chant et des rythmes de danse (le Finale de la Sonate KV 497 offre de ce dernier point un exemple parfaitement réussi), mais également une certaine sobriété émotionnelle qui, si elle peut laisser dubitatifs les habitués de lectures d’esprit XIXe, se révèle d’une justesse de ton et de sentiment que je trouve, pour ma part, remarquable ; ici, l’émotion déborde sans jamais se répandre, elle frémit sans prendre la pose, et c’est justement parce qu’elle ne force jamais le trait qu’elle nous touche. Les confidences, la tendresse, les clairs-obscurs des mouvements médians des Sonates sont ainsi parfaitement restitués, tandis que le Rondo en la mineur, confié au seul Martin Gester, est d’une grande éloquence, à la fois réservée et à fleur de peau. Soulignons enfin à quel point la complicité des interprètes est ici un atout majeur, en ce qu’elle leur permet d’embrasser dans un même élan ces pages souvent plus complexes qu’il y paraît en soulignant tout le jeu de dialogues qu’elles contiennent sans jamais nuire pour autant à l’unité de l’ensemble.

Ce disque est, comme on le disait de Socrate, un Silène qui, sous une apparence peu avenante, recèle les plus agréables parfums et je ne peux que recommander à tous les amateurs de la musique de Mozart d’aller découvrir les richesses qu’il contient. Puisse le tandem formé par Aline Zylberajch et Martin Gester nous offrir encore d’autres réalisations aussi maîtrisées.

Mozart Pièces pour piano 4 mains Aline Zylberajch Martin GesterWolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), Sonates pour pianoforte en fa majeur KV 497 et en ut majeur KV 521, Rondo en la mineur KV 511, Andante et variations en sol majeur KV 501

Aline Zylberajch & Martin Gester, pianoforte Paul et Theo Kobald d’après Anton Walter, 1795

1 CD [durée totale : 71’39] K617 244. Ce disque peut être acheté chez votre disquaire ou en suivant ce lien.

Extraits proposés :

1. Sonate KV 497 : [I] AdagioAllegro di molto

2. Sonate KV 521 : [III] Allegretto

Illustrations complémentaires :

Johann Nepomuk della Croce (Pressano, 1736-Linz, 1819), Portrait de la famille Mozart, c.1780-81 (détail). Huile sur toile, dimension non précisées, Salzbourg, Stiftung Mozarteum. Image complète en cliquant ici.

Aline Zylberajch et Martin Gester au pianoforte en juillet 2014, crédits non précisés.

Nous ne nous tairons pas

Christian Adams The Daily Telegraph 07 01 2015

Dessin de Christian Adams
The Daily Telegraph, 7 janvier 2015

Aussi loin que remontent mes souvenirs, jamais jours n’auront été aussi sombres pour le Français que je suis que les trois qui viennent de s’écouler depuis que deux assassins ont froidement, méthodiquement exécuté cinq dessinateurs, deux policiers, une psychanalyste, un économiste, un agent d’entretien, un correcteur et un fondateur de festival réunis dans les locaux du journal satirique Charlie Hebdo. Le lendemain, 8 janvier, une policière tombait sous les balles, le surlendemain, quatre clients d’un supermarché casher étaient tués à leur tour, tout comme les trois coupables de ces dix-sept morts ; la boucle sanglante se refermait sur elle-même. L’émotion provoquée par ces trois jours d’horreur, propagée comme une traînée d’effroi au travers des médias et des réseaux sociaux, est rapidement devenue mondiale, entraînant des manifestations de soutien spontanées, souvent extrêmement émouvantes, dans de nombreux pays ; le slogan « je suis Charlie » a partout servi de signe de ralliement et d’exorcisme contre l’inqualifiable.

Je ne suis pas Charlie. Qu’on me comprenne bien, je n’ai pas de mots assez forts pour décrire le profond sentiment de dégoût qui m’a saisi devant cette série de meurtres et la tristesse infinie qui m’a envahi devant toutes ces vies massacrées, je ne vous raconterai ni mes sanglots ravalés, ni mes larmes versées, mais je ne suis pas Charlie. Tout d’abord, parce que me revêtir de ce nom serait me parer d’un talent que je n’ai pas, d’un courage qui me fait sans doute défaut et d’une gloire que je ne mérite pas. Ensuite, parce que cette expression, à la brièveté certes immédiatement parlante et fédératrice, est trop réductrice à mes yeux ; il y a eu, à ce jour, dix-sept morts, autant d’existences qui, si elles ne l’exprimaient pas toutes de la même façon, avaient toutes leur génie propre, qui celui du trait, ou de l’humour, ou de l’analyse, ou de la curiosité, ou de la serviabilité, ou de la tendresse ou de l’attachement à sa mission, toutes qualités égales dans l’absolu qui ne sauraient donc être résumées en un seul nom. Enfin, même si j’espère sincèrement que ces drames auront suscité chez beaucoup une prise de conscience durable qui guidera leurs actions futures, parce que cette formule a rapidement été adoptée par trop de gens comme un vêtement à la mode, un de ces colifichets bon marché qui finiront oubliés au fond d’un tiroir lorsque la saison en sera passée – n’a-t-on pas vu, dans tel ou tel rassemblement, des pancartes proclamant « Je suis Charly » ? –, transformant au passage les contempteurs d’hier en thuriféraires d’aujourd’hui. Pour toutes ces raisons, je ne suis pas Charlie, ce qui ne m’empêche pas de soutenir de toutes mes forces l’esprit de liberté qui a toujours présidé au travail de Charlie Hebdo, de penser à tous ceux qui ont été assassinés ces trois derniers jours, aux blessés, aux familles, mais aussi au formidable professionnalisme de ceux qui ont porté secours, protégé, défendu et s’interposeront encore demain s’il le faut.

Il ne fait guère de doute que des jours sombres nous attendent, parce qu’au sentiment du deuil et d’être en état de guerre s’ajoute le constat d’une unité déjà mise à mal par des politiques préoccupés avant tout par des calculs d’image et de carrière. Pour qui possède un tant soit peu de lucidité, il est hélas assez clair que ce sont les extrémistes de tout poil qui, en charognards avisés, vont faire bombance sur ce monceau de cadavres aux allures de manne. Finalement, ces armées infernales, quelle que soit la haine qu’elles professent l’une pour l’autre, se nourrissent mutuellement, espérant sans doute quelque affrontement final. En loden ou en djellaba, un extrémiste représente, à mes yeux, le même danger et je ne vois aucune différence d’intention entre les balles tirées par les uns contre les représentants d’une liberté d’expression d’aventure irrespectueuse et les anathèmes homophobes éructés par les autres il y a quelques mois sur les avenues du même Paris. Plus que jamais, l’heure est, pour moi, à la vigilance et à l’intransigeance envers ceux qui confondent patriotisme et nationalisme, religion et intégrisme, ceux prompts à désigner des boucs émissaires ou à se faire les chevaliers en fer-blanc d’un héritage français dont ils seraient bien inspirés, pour commencer, d’apprendre ne serait-ce que les règles de l’orthographe ou l’histoire culturelle dans toute sa richesse. À vous tous qui faites primer une foi bien souvent abâtardie, quel que soit le dieu que vous prétendez prier, sur le respect de la loi républicaine ou de la vie même, je veux dire que, la nausée surmontée, vous me donnez l’envie d’aller encore plus chez mon libraire ou à la bibliothèque, de m’attarder dans les musées, de m’asseoir dans une salle de concert, de poser un disque sur ma platine. Pour ne jamais céder à vos sirènes, je veux relire Érasme, Averroès, Maître Eckhart, Sénèque, Diderot ou Giordano Bruno, admirer avec encore plus d’attention la beauté et la fragilité du monde qui m’entoure, tenter de partager, par la parole ou par l’écrit, ce qui éveille ma curiosité et m’émeut — toutes ces choses qui diffèrent de moi et vous effraient tant. Vous pouvez nous freiner, nous humilier, nous moquer, nous briser, il se trouvera toujours un grain ignoré de vos saccages pour germer, croître et multiplier. Nous ne tremblons pas. Nous ne nous terrons pas. Nous ne nous tairons pas.

Accompagnement musical :

Ralph Vaughan Williams (1872-1958), Symphonie n°6 en mi mineur (1944-1947, première exécution le 21 avril 1948) :
[II] Moderato

London Symphony Orchestra
Richard Hickox, direction

Ralph Vaughan Williams Symphonies 6 & 8 HickoxSymphonies n°6 et n°8, Nocturne. 1 CD Chandos CHSA 5016 qui peut être acheté chez votre disquaire ou en suivant ce lien.

Le tour de 2014 en cinq disques

Jan Davidsz de Heem Nature morte aux livres

Jan Davidsz. de Heem (Utrecht, 1606-Anvers, 1683/84),
Nature morte aux livres, 1628
Huile sur bois, 31,2 x 40,2 cm, Paris, Fondation Custodia

Pour tourner définitivement la page de l’année 2014, je vous propose aujourd’hui un choix parfaitement subjectif de cinq disques (et une réédition) qui me semblent avoir constitué des temps forts des douze mois qui viennent de s’écouler. Tous ces enregistrements, outre leur qualité artistique élevée, présentent la caractéristique commune de ne pas s’être contentés de vivre sur des acquis et d’avoir exploré une voie personnelle en termes de répertoire comme d’attitude. Bien entendu, cette sélection ne rend pas compte de toutes mes écoutes de 2014 : quelques autres réalisations réussies sont encore sur ma table de travail et je me réserve la possibilité de leur faire une place dans les chroniques de 2015, puisqu’un des avantages de tenir un blog indépendant est justement de ne pas dépendre strictement de l’actualité.

2014-26-12 Sweelinck Ma jeune vie a une fin Sébastien WonnerL’année 2014 a vu un certain nombre d’artistes ou d’ensembles faire leurs premiers pas devant les micros, certains plus brillamment que d’autres. Si l’interprétation des Pièces de clavecin en concerts de Rameau par Les Timbres (Flora) a rencontré la faveur méritée de la critique comme du public, si l’anthologie dédiée à Holborne par L’Achéron (Ricercar) s’est révélée pleine de savoureuses promesses, c’est le disque consacré à Sweelinck par Sébastien Wonner que je souhaite tout particulièrement distinguer, pour le courage qu’il a de proposer des œuvres finalement assez peu jouées au clavecin et pour la maîtrise dont il fait preuve à tout point de vue. Je résumais ainsi les choses dans ma chronique : « Au fond, ce récital, au-delà de l’intérêt et de la beauté des pièces choisies comme de l’interprétation proposée, est d’une indiscutable justesse, en ce qu’il nous restitue la pensée et la sensibilité de Sweelinck dans toutes leurs dimensions, à la croisée de la claire conscience de leur ancrage dans la tradition renaissante et du souci d’une ouverture la plus large possible aux différents langages d’une époque riche en mutations. » Au moment où l’on tresse déjà des couronnes à certain jeune claveciniste qui, s’il est loin d’être sans qualités, a encore tout à prouver, il me semble plus que jamais nécessaire d’accorder à un musicien de la trempe de Sébastien Wonner toute l’attention que son travail, et non sa façon de communiquer à son sujet, mérite.

Jan Pieterszoon Sweelinck (1562-1621), Ma jeune vie a une fin, pièces de clavecin

Sébastien Wonner, clavecin Émile Jobin d’après Ruckers, 1612 (Amiens, musée de Picardie)

1 CD K617 7247. Ce disque peut être acheté chez votre disquaire ou en suivant ce lien. Chronique complète ici.

Extrait proposé : Fantasia (à 3, g2)

L’année écoulée a également été riche en belles réalisations dans le domaine des musiques médiévales. Parmi les enregistrements qui leur ont été dédiées, deux explorant des voies opposées et complémentaires ont tout particulièrement retenu mon attention.

2014-12-26 Wolkenstein Cosmopolitan Ensemble LeonesLe premier est un florilège de chansons d’Oswald von Wolkenstein signé par l’Ensemble Leones qui démontre de façon éblouissante combien il est possible, en ne faisant aucune concession sur le sérieux musicologique, de produire des projets aboutis, vivants et passionnants, qui rendent compte avec une pertinence proprement fascinante d’une figure haute en couleurs du Moyen Âge tardif : « À l’image de l’itinéraire du compositeur qu’elle documente, cette anthologie est un voyage, sans temps mort, sans ennui, car la parfaite caractérisation de chaque pièce en fait un paysage nouveau et plein de surprises que l’on se plaît à contempler. Ajoutez à tout ceci une intelligence, un engagement et une émotion de tous les instants – si vous pensez que ni la musique médiévale, ni la langue allemande ne peuvent être touchantes et palpitantes, cette anthologie risque fort de vous conduire à réviser votre position – et vous obtiendrez tout simplement le disque Oswald von Wolkenstein à acquérir en priorité et un des plus beaux enregistrements de musique médiévale de l’année. »

Oswald von Wolkenstein (c.1376/77-1445), The Cosmopolitan : chansons

Ensemble Leones
Marc Lewon, voix, luth, cistre, vièle à archet & direction

1 CD Christophorus CHR 77379. Ce disque peut être acheté chez votre disquaire ou en suivant ce lien. Chronique complète ici.

Extrait proposé : Wer ist, die da durchleuchtet (Kl 13)

2015-01-03 Llibre Vermell de Montserrat La Camera delle LacrimeLe second est un projet un peu à part qui délaisse la tranquillité des cabinets d’étude pour aller vaguer par les chemins. La Camera delle Lacrime n’est pas, à proprement parler, un ensemble spécialisé dans le domaine médiéval ; il est, en revanche, particulièrement pointu dans l’exploration et la restitution des répertoires traditionnels et c’est de ce côté qu’il entraîne sa lecture du fameux Llibre Vermell de Montserrat : « L’idée d’un projet participatif impliquant des professionnels et des amateurs est en soi, excellente, car conforme aux pratiques du temps qui a vu l’éclosion et la diffusion de ce recueil ; on imagine sans mal, en effet, les chantres spécialisés de Montserrat se joindre aux pèlerins pour offrir à la Vierge, chacun selon ses capacités, le plus beau chant possible. La réalisation est à la hauteur de ce propos et ce que nous en restitue le disque a visiblement mûri au long des chemins qui ont conduit ce spectacle de ville en ville, de modeste église en prestigieuse abbaye, chaque étape lui apportant une nouvelle richesse. Je ne connais pas, après réécoute minutieuse d’un certain nombre d’enregistrements du Llibre, de lecture plus chaleureuse, plus profondément humaine, jusque dans ses minimes imperfections, que celle qui nous est proposée par Bruno Bonhoure. »

Llibre Vermell de Montserrat, Chant de la Sibylle, Els segadors

La Camera delle Lacrime
Jeune chœur de Dordogne
Bruno Bonhoure, voix & direction musicale
Khaï-dong Luong, conception artistique

1 CD Paraty 414125. Ce disque peut être acheté chez votre disquaire ou en suivant ce lien. Chronique complète ici.

Extrait proposé : Ad mortem festinamus

Je souhaite achever ce rapide tour d’horizon des nouveautés marquantes de 2014 par deux publications qui, à mes yeux, apparaissent comme des confirmations.

gls_14_01_gesualdo_dgpk_rt_b03_cs3_ccLa première est celle de la place éminente qu’occupe, dans l’interprétation du répertoire italien de la fin de la Renaissance et du premier Baroque, La Compagnia del Madrigale. Après un époustouflant disque Marenzio, l’ensemble revient à Gesualdo, dont il avait déjà abordé l’univers avec un Sesto Libro di Madrigali d’anthologie, et livre une lecture proprement vertigineuse de ses Responsoria : « Les interprètes ne se limitent jamais à une attitude contemplative vis-à-vis du texte, ils le portent et l’incarnent avec une ardeur qui n’a rien à voir avec une quelconque forme d’agitation vaine ou grimaçante ; la conviction qu’ils mettent à susciter les images qu’il contient, comme s’ils nous contaient l’histoire qui est en train de se dérouler durant ces trois Nocturnes, nous emporte et l’on sort durablement ému, voire peut-être un peu plus, de ces quelques trois heures de musique que l’on peut regarder et ressentir comme un véritable cheminement intérieur, d’une intensité troublante. »

Carlo Gesualdo (1566-1613), Responsoria et alia ad Officium Hebdomadæ Sanctæ spectantia

La Compagnia del Madrigale

3 CD Glossa GCD 922803. Ce disque peut être acheté chez votre disquaire ou en suivant ce lien. Chronique complète ici.

Extrait proposé : Æstimatus sum (Samedi saint, IIIe Nocturne)

2014-26-12 Etienne Moulinié Meslanges Correspondances Sébastien DaucéLa seconde est celle du courage de l’Ensemble Correspondances qui poursuit, avec une ténacité inspirée, sa défense et illustration de la musique sacrée du XVIIe siècle français. Après le succès tonitruant de son premier disque pour Harmonia Mundi consacré à Charpentier, Sébastien Daucé aurait pu se contenter d’exploiter ce filon ; tournant le dos à la facilité, le chef a préféré se concentrer sur un compositeur moins enregistré, Étienne Moulinié, livrant ce qui est sans doute sa meilleure réalisation à ce jour : « L’avantage procuré par la stabilité de l’effectif dirigé par Sébastien Daucé est plus que jamais perceptible dans ces pièces dont la dimension intimiste exige de grandes qualités de cohésion et d’écoute mutuelle ; elles sont patentes ici, et les musiciens, sans rien renier de leur individualité, vont tous dans la même direction, ce qui permet à leur prestation de gagner une densité et une force qui serait peut-être plus difficile à obtenir avec une troupe plus disparate. Il faut dire que cette dernière est menée par un chef qui a pris le temps de mûrir son projet et conduit ses troupes avec une intelligence et une sensibilité indéniables qui trouvent leur aboutissement dans une attention envers les mots tout à fait remarquable. »

Étienne Moulinié (1599-1676), Meslanges pour la Chapelle d’un Prince

Ensemble Correspondances
Sébastien Daucé, direction

1 CD Harmonia Mundi HMC 902194. Ce disque peut être acheté chez votre disquaire ou en suivant ce lien. Chronique complète ici.

Extrait proposé : Veni sponsa mea, motet de la Vierge. A cinq

2014-12-26 Mala Punica Vertù contra furoreJe ne pouvais, enfin, pas passer sous silence la réédition des trois disques constituant le legs de l’ensemble Mala Punica pour le label Arcana, tant ces derniers, à la réécoute, n’ont pas pris la moindre ride et demeurent une source d’inspiration visiblement assez inépuisable pour les interprètes d’aujourd’hui : « Réécouter ou découvrir ces trois disques sera, pour les uns, un bain de jouvence, pour les autres, une révélation. On a parfois reproché à Mala Punica de forcer exagérément sur l’instrumentation des pièces et de laisser un peu trop la bride sur le col à l’improvisation. Peut-être, et encore ne faudrait-il pas évacuer trop facilement les expressions de l’imagination foisonnante de ce temps de l’Ars subtilior qui se rencontrent dans les autres arts, mais force est de constater que, vingt ans après leur parution, ces enregistrements gardent intacts leur fantastique pouvoir d’évocation, leurs couleurs parfois enivrantes, leur sensualité troublante, leur extraordinaire raffinement. »

Vertù contra furore, langages musicaux dans l’Italie du Moyen Âge tardif 1380-1420

Mala Punica
Pedro Memelsdorff, flûte & direction

Réédition par Arcana/Outhere music sous référence A 372 dans un coffret de trois disques qui peut être acheté chez votre disquaire ou en suivant ce lien. Chronique complète ici.

Extrait proposé : Francesco Landini, Giovine vagha – Amor c’al tuo suggeto [instrumental]

La poussière d’or des chemins. Le Llibre Vermell de Montserrat par la Camera delle Lacrime

2015-01-03 Enrique de Estencop Vierge à l'Enfant entourée d'anges

Enrique de Estencop (fl. 1387-1400, Saragosse),
Vierge à l’Enfant entourée d’anges, 1391-92
Tempera, stuc et feuille d’or sur bois, 142,2 x 99 x 8 cm,
Barcelone, Museu Nacional d’Art de Catalunya

Le Llibre Vermell de Montserrat fait partie, au même titre que les Carmina Burana ou la Messe de Machaut, des œuvres emblématiques du Moyen Âge et sa discographie est, à ce titre, assez conséquente. Depuis la résurrection pionnière du Studio der frühen Musik de Thomas Binkley en 1966, des interprètes de renom se sont penchés sur ce recueil en livrant parfois des lectures mémorables, comme celles de Jordi Savall (EMI, 1979), d’Alla Francesca (Opus 111, 1995) ou de Micrologus (auto-édition, 1996 et Discant, 2002), la dernière incursion marquante restant celle de Millenarium (Ricercar, 2007). Pour son retour au disque après cinq longues années d’absence, la Camera delle Lacrime, dont on avait apprécié le Peirol d’Auvèrnha vagabond et poétique, a choisi, de façon somme toute assez logique compte tenu de ses affinités avec les répertoires populaires, d’aborder à son tour ce « classique. »

Réalisé dans les dernières années du XIVe siècle, le manuscrit que la reliure de velours rouge qui l’enserre depuis plus de cent cinquante ans fait nommer Livre vermeil est, comme souvent s’agissant de ce type de document, un miraculé qui n’a sans doute dû sa survie – partielle, une bonne trentaine de feuillets ayant été perdus, et sans doute entre autres vicissitudes – qu’au fait d’avoir été éloigné, à la suite d’un prêt miraculeux, des murs du monastère catalan de Montserrat 2015-01-03 Llibre Vermell Ad mortem festinamus fol 26vlorsque celui-ci fut pillé par les soudards napoléoniens en 1811. La partie musicale du codex, qui contient par ailleurs des textes religieux et administratifs, est extrêmement mince : elle consiste en six feuillets (fol. 21v à 27r) qui regroupent dix œuvres. Chose rare, ces dernières s’accompagnent de quelques lignes qui les contextualisent : « (…) Lorsqu’ils veillent dans l’église de Notre Dame de Montserrat, les pèlerins veulent parfois chanter et danser, tout comme le jour sur le parvis. En ce lieu, ils ne doivent chanter que des chansons honnêtes et pieuses (…) Il faut les exécuter avec honnêteté et sobriété, de manière à ne pas déranger l’assistance dans ses prières (…) » Nous voici donc en présence de l’expression de cette piété populaire dont les traces sont généralement effacées ou particulièrement ténues mais qui, par chance, ont été fixées grâce à quelques traits de plume et quelques couleurs qui nous permettent d’y accéder encore aujourd’hui.
Leur dimension pérégrine est au cœur même de ces dix pièces dans lesquelles se côtoient le latin, le catalan et l’occitan et dont la diversité des formes – quatre sont monodiques, les autres étant des polyphonies à deux ou trois voix, trois sont des canons, cinq des virelais, et une une balade – atteste du brassage d’influences dont elles sont le fruit, au confluent de quelques survivances archaïques, surtout perceptibles dans le liminaire O Virgo splendens, 2015-01-03 Llibre Vermell Ad mortem festinamus fol 27rd’ailleurs transmis en notation carrée quand les autres morceaux adoptent celle, plus moderne, de l’ars nova, de savantes élaborations dans le goût de la cour avignonnaise et de fortes réminiscences populaires qui s’expriment dans les pièces à danser en rond – indiquées « a ball redon » sur le manuscrit – mais aussi dans Ad mortem festinamus, l’unique composition à délaisser la louange mariale pour se déployer en une obsédante danse macabre, la première conservée dans l’histoire de la musique, offrant un parfait écho aux représentations picturales contemporaines. Cette œuvre, par son caractère plutôt théâtral, rompt assez nettement avec l’esprit de celles qui l’ont précédé, généralement tendres, contemplatives et dégageant une ferveur dont l’absence de grandiloquence, conforme aux exigences de simplicité et de modestie induites par le contexte, ne signifie pour autant jamais un déficit d’expressivité.

On comprend mieux, à la lumière de ces éléments, que l’interprétation du Llibre Vermell soit beaucoup moins évidente que ce que laisserait supposer leur aspect matériel un peu fruste ; il faut y affronter l’hétérogénéité qui apporte une large part de son intérêt au recueil, trouver le juste équilibre entre populaire et savant, suave et percussif, recueilli et dramatique. Il y a deux façons d’aborder la lecture que proposent Bruno Bonhoure et la Camera delle Lacrime, renforcée pour l’occasion par les forces du Jeune chœur de Dordogne. La première consiste à relever tous les petits accrocs inhérents à une captation en direct presque vierge, renseignements pris, de retouches, et à faire la fine bouche devant telle intonation un peu approximative, tel défaut de mise en place, tel instant de flottement ; je ne vais pas les nier, ils existent bel et bien et ils feront probablement passer à côté de cette réalisation les amateurs de restitutions d’une propreté clinique — ce faisant, ils manqueront vraiment quelque chose. La seconde consiste, sans ignorer ces défauts, à les dépasser pour tenter de saisir ce qui a pu pousser cette équipe de musiciens à graver ce qui semble être la vingt-quatrième version complète du Llibre. L’idée d’un projet participatif impliquant des professionnels et des amateurs est en soi, excellente, car conforme aux pratiques du temps qui a vu l’éclosion et la diffusion de ce recueil ; on imagine sans mal, en effet, les chantres spécialisés de Montserrat se joindre aux pèlerins pour offrir à la Vierge, chacun selon ses capacités, le plus beau chant possible. 2015-01-03 La Camera delle LacrimeLa réalisation est à la hauteur de ce propos et ce que nous en restitue le disque a visiblement mûri au long des chemins qui ont conduit ce spectacle de ville en ville, de modeste église en prestigieuse abbaye, chaque étape lui apportant une nouvelle richesse. Je ne connais pas, après réécoute minutieuse d’un certain nombre d’enregistrements du Llibre, de lecture plus chaleureuse, plus profondément humaine, jusque dans ses minimes imperfections, que celle qui nous est proposée par Bruno Bonhoure. Si ce résultat est le fruit d’un travail collectif qui devrait conduire à saluer tous ceux qui y ont participé – on mentionnera les interventions pleines de douceur de la voix de Sarah Lefeuvre –, elle porte indubitablement la marque d’un musicien dont on sait les talents de conteur et le souci permanent de l’éloquence, laquelle innerve profondément chaque instant de sa proposition, jusqu’à une intensité que certains trouveront peut-être excessive, Bruno Bonhoure n’étant pas du genre à chanter le répertoire sacré en regardant ses chaussures d’un air contrit pour se donner un air profond, mais qui, à mes yeux, possède un mérite éclatant : celui de remettre la parole au centre du propos et de lui conférer saveur, recueillement, vigueur, incandescence quelquefois, en résumé d’en faire, loin de la récitation de formules apprises, le vecteur privilégié d’une émotion dont l’impact, quand elle vous atteint, ne vous quitte plus — c’est également patent dans le sobre Chant de la Sybille catalan proposé en ouverture qui désarçonnera les habitués des disques de Montserrat Figueras, de toute manière incomparable dans ce répertoire, mais où passe un véritable souffle poétique.

Avec un mélange très sûr d’intelligence et d’instinct, la Camera delle Lacrime nous offre donc une lecture très convaincante – avec ce qui est, à mes yeux, le meilleur Ad mortem festinamus de toute la discographie – du Llibre Vermell, laquelle prend place sans rougir à côté de la version déjà historique (un peu trop tentée par le technicolor et la solennité) de Jordi Savall et celle d’Alla francesca (à mon sens la plus équilibrée à ce jour et que ceux qui en détiennent les droits seraient bien inspirés de rééditer). Certain que je suis de revenir souvent vers elle (en confidence, c’est déjà le cas), je vous la conseille volontiers et s’il m’est permis d’émettre un vœu, il sera que La Camera delle Lacrime se penche maintenant sur le répertoire des Drames liturgiques (pourquoi pas le Sponsus ?), des œuvres trop délaissées dans lesquelles son sens naturel de la scène ferait sans nul doute merveille.

2015-01-03 Llibre Vermell de Montserrat La Camera delle LacrimeLlibre Vermell de Montserrat, Chant de la Sibylle, Els segadors

La Camera delle Lacrime
Jeune chœur de Dordogne
Christine & Philippe Courmont, direction
Bruno Bonhoure, voix & direction musicale
Khaï-dong Luong, conception artistique

1 CD [durée totale : 61’17] Paraty 414125. Ce disque peut être acheté chez votre disquaire ou en suivant ce lien.

Extraits proposés :

1. Polorum Regina

2. Ad mortem festinamus

Illustrations complémentaires :

Llibre Vermell de Montserrat, Ad mortem festinamus, fol. 26v et 27r, Bibliothèque de Montserrat.

Je remercie Olivier Cornélius pour la photographie de la Camera delle Lacrime.

2015, Passus duriusculus

2015-01-01 Joachim Patinir La traversée du Styx

Joachim Patinir (Dinant ou Bouvignes, c.1480-Anvers, 1524),
La traversée du Styx, c.1520-24
Huile sur bois, 64 x 103 cm, Madrid, Museo del Prado

Quelques jours à peine ont passé depuis l’inauguration de ce blog – les peintures, ici et là, ne sont d’ailleurs pas encore tout à fait sèches et je n’ai, par exemple, pas encore trouvé le moyen de vous avertir que j’ai répondu aux commentaires que vous avez eu la gentillesse de me laisser – et nous voici déjà abordant aux rives d’une nouvelle année.

Celle qui s’est achevée il y a quelques heures a été rude pour le monde de la musique ancienne qui a perdu trois de ses grandes figures, Dirk Snellings, Frans Brüggen et Christopher Hogwood ; tout le monde a senti que leur mort marquait un moment d’accélération dans le processus d’éloignement avec l’époque des glorieux pionniers mais aussi avec celle de cet âge d’or que furent les trente ans précédant la survenue de la crise du disque, au début des années 2000, deux ères qui étaient celles des aventuriers et non des rentiers qui se contentent aujourd’hui de gérer, souvent bien mal, un héritage dont ils devraient surtout avoir à cœur de se montrer dignes. D’autres disparitions nous disent également, à leur manière, que quelque chose est en train de finir sans qu’il soit possible de deviner ce qui se lèvera après elles. La cessation d’activité, au profit du seul Qobuz, d’Abeille musique qui, durant les huit premières années de son existence, avait réussi à faire souffler sur le petit monde de la musique « classique » un vent de nouveauté grâce à des labels d’excellence comme Alpha ou Alia Vox mais aussi à son inénarrable et souvent instructif forum, est un signe inquiétant – on peut d’ailleurs se poser la question de la pertinence de tout miser sur la dématérialisation au moment où le disque vinyle entame un retour en force –, mais j’ai surtout été affecté par la fermeture de la boutique de L’Autre Monde qui, mieux qu’un point de vente où il était possible de se procurer des disques et des livres sélectionnés avec soin, était devenu un lieu propice aux échanges. Espérons que les douze boutiques Harmonia Mundi encore ouvertes tiendront le coup — à chacun de nous d’y contribuer. Si je m’abstiendrai, enfin, de tout commentaire sur la nouvelle formule de France Musique hormis pour noter que l’on vit parfaitement bien sans cette station, il ne m’a pas échappé que le second semestre a été riche en annonces de désengagement de la part de municipalités touchées par l’obligation, dictée par la déshérence des finances publiques, de faire des économies ; on a parlé dans les média de l’amputation des crédits alloués à des ensembles prestigieux comme les Arts Florissants ou les Musiciens du Louvre, mais nombre d’autres moins exposés vont sans doute en pâtir, tout comme certains festivals dont quelques-uns ont d’ailleurs déjà jeté l’éponge. Plus que jamais s’affirme le statut de parent pauvre qui est, en France, celui de la musique dite « savante », et les temps difficiles que redoutaient ses acteurs sont sans doute loin d’être terminés.

Malgré ces sombres perspectives, sans doute d’autant plus prégnantes que les mauvaises nouvelles ont semblé, comme le disait un ancien président de la République, voler en escadrille, je demeure surpris, de mon point de vue de petit observateur, par la vitalité réelle des musiciens et de certains labels. Pour qui prend la peine d’être curieux, c’est à dire d’aller au-delà de ce que proposent les vestiges des départements « classique » des majors qui, honnêtement, n’est propice qu’à donner des ulcères, la cueillette prend parfois des allures de moisson miraculeuse ; en France comme chez nos voisins européens œuvrent des hommes et des femmes mus par d’autres ressorts que ceux de la rentabilité immédiate et qui osent nous proposer de l’inouï, qu’il s’agisse d’airs d’Orazio Michi dell’Arpa ou de Giulio San Pietro de’ Negri, de sinfonie de Manfredini, d’opéras de Zamponi ou de Saint-Saëns, ou d’inédits signés Schütz, Laufenberg, Kuhnau ou Sehling. Il y en a pour toutes les sensibilités pour peu qu’elles aient envie de s’aventurer hors des autoroutes bien balisées dont les vendeurs de soupe ont tout intérêt à ne pas les voir s’éloigner. Il suffit simplement à chacun, à son niveau, de faire preuve d’un peu de courage, pas comme ce chef d’ensemble dont je lisais récemment les propos déplorant que les programmes seraient plus ambitieux si les décideurs cessaient de demander du Vivaldi à tour de bras pour être sûr de remplir les salles. J’ai envie de lui répondre que c’est à lui de se montrer force de proposition plutôt qu’ouaille docile et, avec ténacité et conviction, d’emporter la décision, car il est certain que la frilosité n’aboutira jamais à autre chose qu’à la tiédeur et que si l’on n’a pas le souci de proposer du nouveau au public, il y a fort peu de chances qu’il aille lui-même le chercher. Parce qu’il existe mille raisons d’espérer, je continuerai à écrire cette année, pour m’inscrire contre le « vite consommé vite oublié » qui est de mise dans les petits salons moutonnants sur les réseaux sociaux où se font et se défont les réputations mais aussi contre les sarcasmes de tous les Monsieur de Courtevue pour lesquels un critique, parce qu’il conserve un certain recul et ne se pâme pas à la moindre réalisation médiocre, est un être sans cœur qui démolit le travail des artistes. Ayant fait le choix, depuis que je m’exprime sur la musique, de ne jamais me livrer à l’exercice tellement facile qu’est la démolition afin de ne m’arrêter que sur ce que j’estime intéressant, je n’ai aucun état d’âme à renvoyer, sur ce point, ces petits marquis aux études qu’ils feraient bien d’entreprendre et au néant dont ils n’auraient jamais dû sortir. En votre compagnie, chers lecteurs, je souhaite entamer cette nouvelle année d’un pas ferme et vaillant, parce que je suis certain que de très belles surprises nous y attendent – les premiers échos sont prometteurs – et que nous aurons de magnifiques émotions à partager.

À vous et à ceux qui vous sont chers, je souhaite une chaleureuse et lumineuse année 2015.

Accompagnement musical :

Jacob Clement (Clemens non Papa, c.1510/15-1556), Fremuit spiritu Jesu, motet à 6

Huelgas Ensemble
Paul Van Nevel, direction

2015-01-01 Jacob Clement Huelgas Ensemble1 CD Deutsche Harmonia Mundi 88697780692. Ce disque peut être acheté chez votre disquaire ou en suivant ce lien.

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